L’auteur-compositeur-interprète Charles Ostiguy développe une pratique artistique unique par la guitare originale, les mots recherchés, l’exploration du corps comme instrument de musique, l’application de la sonothérapie, le développement de l’intelligence émotionnelle, la rencontre avec le public en médiation culturelle et la complémentarité des autres instruments de musique qu’il utilise.

Que fait Charles Ostiguy?

D’abord un compositeur, Charles Ostiguy crée des chansons et des compositions musicales d’inspirations indie rock aux allures progressives et parfois ésotériques dans lesquelles se côtoient généralement la guitare acoustique, la voix, la batterie de percussions et la basse. Selon les créations, d’autres instruments se greffent à cette base musicale : bol de cristal utilisé en sonothérapie, fréquence pure, synthétiseur, flûte à bec, djembé et guitare électrique.

L’auteur-compositeur-interprète performe à la guitare et à la voix ainsi qu’au djembé, à la flûte et au bol de cristal. En spectacle, il chante ses compositions et les ponctue d’interludes à la guitare. 

Afin de faire participer le public, il chante des reprises de chanson québécoise, telles que Jean Leloup, Beau Dommage et Claude Dubois. Quelques sessions ambulatoires de flûte et de djembé ajoutent un côté festif, intime et chaleureux au spectacle.

Il rencontre le public par des ateliers musicaux en médiation culturelle : atelier d’éveil musical avec les enfants et leurs familles, sonothérapie en session de yoga ou avec des personnes vulnérables, séances de musique en groupe lors d’événements et festivals et spectacles de Noël participatif pour le grand public.

Ses influences multiples, dont Harmonium, Tire le Coyote, Jean Leloup, Pink Floyd, divers chants grégoriens, des auteurs de musique classique ainsi que des trames de jeux vidéo comme Final Fantasy et Zelda façonnent une musique unique dans laquelle ses sources d’inspiration cohabitent à part variable selon l’œuvre. 

On dit parfois que ses créations musicales ressemblent à des airs de barde et de musique médiévale teintée d’une voix grégorienne et inspirante, le tout ponctué d’interludes instrumentaux paisibles et de passages rock énergiques, voire colériques et révoltés.

Chaque œuvre représente un chapitre de l’intériorité de l’artiste. Il communique des états d’âme profonds et sincères que l’humain peut vivre, autant les émotions et sentiments agréables que les phases difficiles à digérer : l’intelligence émotionnelle au service de la création artistique. Cette inspiration nourrit l’exploration de la guitare, et vice-versa, pour le commencement de l’œuvre.

D’ailleurs, son verger nourrit sa créativité et sa relation avec soi-même, les autres et le territoire : le travail de la terre pour bien vivre le processus émotionnel dans la création artistique.

Chaque création débute par le jeu de guitare : plus de 25 ans d’exploration lui confèrent une grande diversité et connaissance de cet instrument. Il expérimente, trouve les bons accords et intervalles, puis organise la structure rythmique de la chanson.

S’en suit sa voix investie par l’utilisation diversifiée des registres et articulateurs (gorge, nez et bouche) – explorée aux Techniques du chanteur moderne avec Allan Wright – dans le souffle et la voix pleinement habitée – approfondie dans le stage Arc en voix de Danielle Carpentier.

Ainsi, les mots se greffent d’abord intuitivement à la chanson, en paroles et en air mélodique, puis subissent un traitement littéraire d’influence poétique et philosophique. L’artiste exprime ces thèmes : 

• Le processus d’observation de soi et d’acceptation pour vivre en cohérence
• La complexité de notre intériorité et de l’intelligence émotionnelle
• L’importance des relations multiples qui gouvernent notre vie, telle que la relation avec soi-même, l’Autre, la famille, les amis et le divin
• L’être humain ancré dans son territoire et la mondialisation qui altère cette relatio
• La toxicité de l’ego, de l’individu de performance et des relations basées sur la peur ainsi que leurs conséquences

Dans La balade à la chanson, l’artiste exprime l’importance des relations tout en critiquant l’imposition du mondialisme, alors que Dans les parages, il chante l’espérance qui suit indubitablement les grandes peines que l’on peut vivre.

Itérativement, des émotions passagères alimentent le sentiment global, comme dans la vraie vie, et alimentent la création : l’exploration de l’appareil vocal nourrit le processus émotionnel, la guitare nourrit l’appareil vocal et le choix des mots influence la technique vocale. Tout bouge plus ou moins ensemble pendant la création : de l’inspiration à la guitare, en passant par les mots, l’intelligence émotionnelle et la technique vocale.

L’arrangement ainsi que l’ajout de flûte, de percussions, de bol de cristal et des autres instruments alimentent l’inspiration première de la guitare et de l’introspection de l’artiste : l’œuvre possède sa nature première tout au long du processus.

Pourquoi l’auteur-compositeur-interprète crée-t-il de la musique?

La musique permet à l’artiste de vivre pleinement sa vie, dans ses hauts et ses bas : ainsi, il communique l’intelligence émotionnelle pour que tout le monde se reconnaisse par sa création. L’art agit comme une catharsis émotionnelle, libératrice des tensions qui habitent l’être humain, sans être une thérapie. 

Par considération envers l’autre qui reçoit la création, il décide d’intégrer des chansons québécoises qu’il aime et maîtrise pour que les gens chantent des airs qu’ils connaissent : des airs connus ponctuent les compositions originales et nouvelles pour le public. Les sessions de flûte et de djembé amènent un côté festif durant lequel danser, bouger et taper des mains devient naturel et réconfortant pour la foule.

Dans le même ordre d’idées, il partage la musique par l’entremise d’activités en médiation culturelle. Vivre des moments musicaux dans lesquels le public participe contribue à sa mission de vivre la cohérence de l’être : en démocratisant la pratique artistique, l’artiste souhaite que les gens s’expriment par l’art pour en vivre les bienfaits dans leurs processus émotionnels.

Ce partage musical nourrit également son processus personnel d’observation et d’acceptation par les réactions des gens – différentes que dans une relation de spectacle – et le contact de proximité affûte son intelligence émotionnelle et créatrice. Travailler avec le public lui permet de vaincre la solitude qu’il éprouve et alimente son processus créatif par la prise de conscience des comportements des gens dans la musique.

Habiter pleinement le chant pour ressentir pleinement le pouvoir des paroles : le verbe crée et les sons manifestent notre état. L’artiste développe une pratique approfondie du chant pour ressentir l’entièreté de ses mots.

L’utilisation des concepts de sonothérapie enrichit la force des sons : toute sa musique s’accorde en 432 hz. L’artiste entraîne les gens dans sa musique par résonnance, d’où l’importance de bien habiter son expression musicale et d’en maîtriser l’inspiration. Par sa voix investie, il souhaite que l’humanité se sensibilise au pouvoir créateur de la voix et des sons dans la vie quotidienne.

Tous les jours, Charles s’observe et chante pour accepter son état : se sentir fort, faible, vulnérable, irritable, extasié, etc. Lorsqu’il accepte son état, il prend de meilleures décisions pour sa vie, à court comme à long terme. Ses paroles, ses actions et ses pensées suivent un chemin cohérent pour vivre en harmonie dans son environnement. Il ne cherche pas la perfection, mais plutôt à accepter les imperfections de la condition humaine.

Pour exprimer l’authenticité de l’inspiration qu’il ressent, l’artiste expérimente différents instruments : l’utilisation diversifiée de la guitare, la flûte, les bols de cristal et le djembé. Ils manifestent des états sensibles différents, parfois complémentaires. Charles développe sa technique et sa pratique par ces instruments.

Jouer avec différents instruments de musique lui permet également de se garder vivant, de s’actualiser et de bien vivre le processus émotionnel et créatif, même si la guitare arrivera toujours en première place dans le cœur de l’artiste.

Les mots chantés doivent refléter le processus de l’intelligence émotionnelle. La cohérence dans la création, comme la cohérence dans ce qu’on pense, ce qu’on dit et ce qu’on fait s’avère une nécessité sine qua non : le processus de l’introspection, du début de l’inspiration jusqu’à la communication de l’œuvre, évolue en relation avec les différents éléments musicaux, littéraires et introspectifs de la musique.

Ainsi, les écrits manifestent le processus d’observation de soi de l’artiste et sa complexité en tant qu’être humain. Nourrir les relations avec son territoire, ses proches et le divin permet de s’observer authentiquement, de s’accepter et ainsi de vivre en cohérence, alors que les relations basées sur la peur, la performance et les figures mondialistes qui vivent dans un autre territoire déracinent l’être de son for intérieur et favorisent l’anxiété, la dépression et des comportements destructeurs.

La prise en charge de nos actions suit la logique de nos pensées, et réciproquement. Alors que la croyance populaire vise à critiquer le monde extérieur, Charles Ostiguy s’attarde à son pouvoir personnel : que peut-il faire avec ses moyens? En assumant ses actions, ses paroles et ses pensées, l’artiste se responsabilise dans l’entièreté de son être et vit en cohérence.

Au lieu de critiquer la chaîne alimentaire, l’artiste vit en relation avec son territoire. Il assume ses valeurs en cultivant son verger. Le travail de la terre nourrit également sa relation à lui-même, son intelligence émotionnelle et son processus créatif.

L’auteur-compositeur-interprète souhaite transmettre la connaissance de soi à son auditoire : exprimer la philosophie de la cohérence entre les paroles, les pensées et les actions pour que tout le monde vive conséquemment à son être. Développer son intelligence émotionnelle et prendre conscience de l’importance des relations de la vie humaine pour vivre conséquemment à ses croyances, son amour et ses comportements.

Comment l’artiste compose sa musique

En première étape de création figure la guitare acoustique aux accords originaux. L’artiste ressent une inspiration et une pulsion créatrice, parfois inconsciente, et elle se manifeste par la guitare.

L’exploration de la guitare nourrit le langage unique de l’artiste. Il préfère le jeu de guitare original et diversifié qui lui permet de bien vivre le processus émotionnel et d’écrire un texte riche et polysémique. 

Ainsi, il joue différents accords sur la guitare, simples et complexes : majeur, mineur, septième, suspendu, diminué, etc. Il utilise le capo, explore les accords ouverts et des intervalles diversifiés, varie le jeu de nuances et les motifs rythmiques. Il utilise souvent la gamme mineure comme point de départ, mais modifie régulièrement la tonalité de la gamme en cours de création. 

Le processus créatif du jeu de guitare suit une logique sensible : la progression des notes exprime la source de l’inspiration. Ultimement, Charles se demande : est-ce que ça sonne bien? Il dérive des tonalités et des progressions normatives, et parfois y revient, car il vit chaque création par l’expérimentation renouvelée de la guitare. 

Ensuite, lorsqu’il chante ses premiers airs mélodiques, il modifie parfois la rythmique de la guitare, la structure de la chanson, et réciproquement : la guitare inspire le chant, les mots inspirent la guitare. Les mots se greffent sur l’inspiration première et la base mélodique de la guitare.

Ainsi, des paroles profondes sur l’état d’âme, l’introspection et l’intelligence émotionnelle nécessitent un travail de longue haleine, autant dans sa vie personnelle que artistique. Chaque œuvre demande un processus émotionnel et artistique complexe et itératif entre l’état d’âme de l’œuvre, la guitare comme élément central de création, les paroles, la technique vocale et l’arrangement musical. Ce travail s’étale parfois sur plusieurs années.

L’utilisation du piano l’aide à peaufiner sa mélodie vocale, en cohérence avec l’inspiration. La voix et la guitare cohabitent, parfois l’un prend le dessus, parfois l’autre. Dans la même logique, Charles répertorie les notes de chaque accord de guitare pour y associer les notes vocales qui résonnent en cohérence avec son ressenti.

Pour transmettre le message d’une composition, Charles étudie les mots et expérimente le spectre des émotions : chaque parole compte, comme dans la vraie vie. Son baccalauréat en communication, rédaction et multimédia contribue à sa maîtrise de la langue française : il emploie différents ouvrages et dictionnaires pour bien cerner le sens des mots.

Il utiliser la polysémie des mots et jongle avec leurs sens dans un langage poétique et philosophique pour communiquer pleinement le processus de l’intelligence émotionnelle par la musique. Le mot influence l’émotion vécue, et réciproquement : cette influence nourrit le choix de la mélodie vocale et de la technique vocale.

L’artiste accorde une importance aux différentes possibilités de l’appareil vocal : il exploite les différents registres et articulateurs tout en habitant pleinement son corps et ses émotions. Communiquer une émotion et un message en toute conscience et en pleine richesse de ses fréquences pour réellement investir et ressentir les mots. 

Les mots et l’émotion ressentie orientent un choix dans la technique vocale : voix poitrine, tête ou mixte; résonner dans la gorge, le nez ou la bouche; jeu de nuances. La technique vocale vient à son tour nourrir à nouveau le jeu de guitare. 

Donc, dans le processus créatif, l’artiste ressent une inspiration qu’il traduit par le jeu de guitare et la mélodie vocale dans l’utilisation diversifiée de la technique vocale. Le choix des mots et les émotions vécues influencent le travail effectué, et réciproquement. Une chanson se compose suivant plus ou cet ordre :

1. Inspiration émotionnelle première et exploration à la guitare
2. Mélodie vocale et arrangement avec la guitare
3. Exploration dans la technique vocale
4. Choix des mots
5. Ressenti des émotions

Chaque nouvelle étape nourrit la précédente : l’artiste les revisite en restant fidèle à l’inspiration première.

Enfin vient le processus d’arrangement. L’artiste utilise les sons conséquents à l’œuvre première, toujours dans ses capacités et dispositions. Il aime la diversité des sons et l’originalité dans la création.

Les accompagnements rock cohabitent avec l’œuvre: basse et batterie de percussions. La sonothérapie joue un rôle important dans la vie de l’artiste. Ainsi, le bol de cristal et des fréquences pures enrichissent les moments forts et les transitions. Selon les créations, d’autres instruments complètent le morceau : flûte, synthétiseur et guitare électrique.

Parallèlement, l’artiste peaufine sa pratique artistique par la formation continue, la pratique quotidienne des chants énergétiques, le développement technique dans ces instruments de musique et divers projets artistiques qui nourrissent son processus.
La lecture d’ouvrages métaphysiques, philosophiques, spirituels et ésotériques alimente sa réflexion et son vocabulaire.

Jouer ses compositions lors d’ateliers en médiation culturelle lui donne également de nouvelles perspectives, car les réactions diffèrent que dans la relation de scène. Il en profite aussi pour expérimenter de nouvelles compositions et des improvisations musicales qui nourrissent son processus créatif.

Aussi, l’artiste considère l’autre dans la transmission de son œuvre : il y inclut des espaces de réflexions et des moments de calme. Ventiler les compositions pour que seul le nécessaire demeure : ni plus ni moins.

L’auditeur a besoin de temps et d’espace pour vivre son processus introspectif. Lorsque l’artiste crée, il se projette dans l’autre pour s’assurer que chacune des pistes musicales d’une œuvre reflète l’essence première : elles se complètent et chacune s’entend dans l’ensemble. Chaque arbre possède son espace dans une forêt, chaque piste vibre au moment cohérent dans le morceau.

Somme toute

Charles Ostiguy s’inspire d’un état d’âme, une introspection, ainsi que de l’exploration de la guitare acoustique et de l’appareil vocal pour composer des textes sur l’intelligence émotionnelle, la complexité de l’intériorité et les relations qu’entretient l’être humain. La médiation culturelle et la diversité musicale contribuent à l’expression artistique du processus d’observation et d’acceptation de soi.

Afin de nourrir continuellement son processus introspectif et artistique, l’artiste explore et expérimente les relations entre les différents instruments de musique qu’il utilise, les comportements de sa vie personnelle et sa rencontre avec le public. La formation, le perfectionnement, la pratique, la réception des critiques, l’expérimentation d’autres disciplines et l’actualisation de soi par la pensée systémique lui permettent de se garder vivant et cohérent.

À long terme, l’artiste souhaite faire vivre des moments significatifs par la création musicale et le partage de la musique afin que l’humanité vivre en cohérence avec elle-même. Il crée continuellement dans ce processus, qui s’enrichit au fil des expériences. Son offre en médiation culturelle devient plus authentique et plus complexe, selon les niveaux : il y intègre ses apprentissages et créations. 

Il croit sincèrement que la musique, qu’elle soit écoutée ou pratiquée, contribue à l’alignement d’une vie, qu’elle tend vers le bien-être et qu’elle libère des tensions inhérentes à la condition humaine.